Utstilling 14. januar - 14. februar 2016

Håvard Vikhagen

Kunstnerforbundet er stolt av å presentere en ny utstilling med Håvard Vikhagen. Vikhagen som er en av våre fremste malere, vil vise en serie nye malerier i Overlyssalen. Kunstneren er kjent for sine ekspressive og stofflige landskapsmalerier. Med en særegen koloritt maler han frem stemningsfulle landskapsscenarier der det mørkstemte møter neonfarger eller hvitt lik den nederlandske mesteren Pieter Brueghel. Dette gjelder også for Vikhagens nye landskap der mørke partier fyller lerretet for så å bli brutt av lysende farger. Ved siden av landskapsbildene har Vikhagen arbeidet frem en ny serie, urbane bilder av folkemengder i tette rom. Menneskene står i sentrum og vi fornemmer de eksistensielle og sårbare undertonene. Det stofflige anslaget i bildene kontrasteres her av tynt malte, bare flater og nærmest fotografiske gjengivelser av rom. Rundt denne utstillingen hviler begrepet Mitakuye Oyasin, et gammelt indiansk uttrykk for at vi er alle bundet sammen, med aktualitet for vår tid.

Maleriets materialitet danner en kjerne i Vikhagens prosjekt. Overflatene bygges opp gjennom en omstendelig og brutal prosess. Arbeidet med maleriet begynner med lerretet utlagt på gulvet og lag på lag med vannbasert farge. Fargen limer seg gjerne til gulvet og lerretet som må rives løs og påføres spor på begge sider. Vikhagen maler med akrylfarge og når strøk skal fjernes benyttes slipeprosesser med blant annet ulike typer sand. Slik herjes det med maleriet til den rette overflaten er på plass. Vikhagen benevner det malerarkeologi, en interesse for det som sakte men sikkert trer frem. Sand forplanter seg inn i malingen og skaper de karakteristiske rustikke og grove flatene. Vikhagen arbeider med ulike prosesser og i ulike rom, også et utendørsatelier på Sunnmøre. I tradisjonen fra Edvard Munch gjennomgår bildene en «hestekur».

Vikhagen får frem flater som gir assosiasjoner til både mose, skog og bergarter. Vestlandslandskapet spiller en særlig rolle i hans kunstnerskap og viser seg nå i en serie monumentale bilder av skyer, fjell og hav: store lerreter, brutale overflater og et iøynefallende lys. Slik gir Vikhagen sin signatur til en sterk landskapstradisjon, fornyelsen av det nordiske landskapet som motiv. Samtidig arbeider han med maleriet som kategori i seg selv, konsentrert om kvalitetene i strøket, fargen og lerretet.

Håvard Vikhagen (f. 1952) er utdannet ved Statens håndverks- og kunstindustriskole og Kunstakademiet i Oslo og har holdt en rekke viktige utstillinger i Norge og internasjonalt. I 1996 var han Festspillutstiller i Bergen. Han er også knyttet til Kunstnerforbundet gjennom flere viktige utstillinger. Det var i Kunstnerforbundet han debutert som kunstner på den tradisjonsrike «Juniutstillingen» i 1985. Han er også innkjøpt til en rekke fremtredende samlinger, blant annet til Nasjonalmuseet, Norsk Kulturråd, Oslo Kommunes Kunstsamlinger, Stortinget, Norges Bank og UD.

Les mer om kunstneren..

Barn, 2016
Jord
Hånd mot hodet
Sprang
Å finne et sted
7 Barn, 2016
olje og akryl på lerret, 110 x 80 cm
8 Jord
olje og akryl på lerret, 205 x 190 cm
9 Hånd mot hodet
olje og akryl på lerret, 110 x 85 cm
10 Sprang
olje og akryl på lerret, 150 x 190 cm
11 Å finne et sted
olje og akryl på lerret, 100 x 125 cm
Brytning
Mitakuye Oyasin III (Vi er alle bundet sammen)
Mitakuye Oyasin I (Vi er alle bundet sammen)
Mitakuye Oyasin II (Vi er alle bundet sammen)
Samtale
12 Brytning
olje og akryl på lerret, 180 x 150 cm
13 Mitakuye Oyasin III (Vi er alle bundet sammen)
olje og akryl på lerret, 160 x 150 cm
4 Mitakuye Oyasin I (Vi er alle bundet sammen)
akryl og olje på lerret, 150 x 200 cm
5 Mitakuye Oyasin II (Vi er alle bundet sammen)
akryl og olje på lerret, 150 x 180 cm
6 Samtale
akryl og olje på lerret, 150 x 100 cm
Mitakuye Oyasin IV
Mitakuye Oyasin V
Mitakuye Oyasin VI
Installasjonsfoto fra utstillingen
Installasjonsfoto fra utstillingen
Mitakuye Oyasin IV
akryl og olje på lerret, 80x90 cm
Mitakuye Oyasin V
akryl og olje på lerret, 80x90 cm
Mitakuye Oyasin VI
akryl og olje på lerret, 80x90 cm
Installasjonsfoto fra utstillingen
Installasjonsfoto fra utstillingen
Blå engel
2 Blå engel
akryl og olje på lerret, 200 x 150 cm

Gisle Harr

Kunstnerforbundet har gleden av å presentere en utstilling med Gisle Harr. Harr vil vise skulpturer og veggarbeider i Vindussalen. Harr har tidligere gjort seg bemerket med sine bemalte, figurative skulpturer av hverdagshelter og populærkulturelle figurer. Til utstillingen i Kunstnerforbundet viser han skulpturer i sin umalte form, støpt i gips. De hvite gipsskulpturene bringer tankene hen til billedhuggerens verksted og de ulike stadiene til et skulpturarbeid, fra små skisser til større og mer bearbeidede utkast. Dette levende og utprøvende stadiet løftes frem som et særlig produktivt stadium. Skulpturenes skisseaktige karakter bekrefter skissens status som en autonom og selvstendig kunstform. Harr arbeider mye etter levende modell. Han interesserer seg for det som skjer i møtet mellom kunstneren og modellen, et klassisk tema i kunsthistorien, foreviget av både Picasso og Matisse, og grundig dokumentert gjennom Auguste Rodin og Gustav Vigelands fotografier. Å arbeide etter modell krever et våkent blikk og en rask teknikk. Skulpturene utvikles videre på grunnlag av modellerte skisser, tegninger og fotografier.

I Harrs portrettgalleri finner man historiske personer, hverdagshelter, countrymusikere, familiemedlemmer, hester og hverdagsobjekter. I tillegg vises et skulpturarbeid i form av et puslespill basert på det norske flagget. Utstillingen i Kunstnerforbundet bekrefter Harr som en formidabel skulptør, men viser også til fulle kompleksiteten i hans kunstnerskap. I tillegg til de tredimensjonale arbeidene viser Harr en serie todimensjonale arbeider; sammenstillinger av tegning, maleri og fotografi, presentert både på vegg og i et gammelt arkivskap. Disse arbeidene innehar noe av skulpturenes skisseaktige karakter. Her presenteres et sammensatt og personlig billedarkiv som lar ulike motivtyper og kunstneriske prosesser tre frem. Sammenstillingene åpenbarer både visuelle og meningsfulle nettverk hvor ofte motsetningsfylte motiver kommer i dialog. Blant annet viser han portrett, interiør- og eksteriørstudier gjort på stedet i atelier- og nærmiljøer i Oslo, Roma og Paris. En annen kategori er abstrakte fargetegninger som lar tankene gå til blant annet Hilma af Klint. Både de abstrakte og figurative nedtegnelsene samt eksperimentene gir dybde til de skulpturelle fremstillingene. Harrs kunstnerskap er tuftet på et observant blikk for omgivelser og menneskelige karaktertrekk, men også det menneskeskapte i form av historier, spor og symboler. Dette blikket omsettes gjennom ulike tematikker og medier til komplekse og underfundige verk.

Gisle Harr (f. 1966) bor og arbeider i Oslo. Han er utdannet ved Kunstakademiet og Statens håndverks- og kunstindustriskole i Oslo, samt Kunstakademiet i Budapest. Han har holdt en rekke utstillinger i Norge og internasjonalt. Harr har også gjennomført en rekke offentlige utsmykninger. Hans kunstneriske virksomhet inkluderer også scenografi, illustrasjon, musikalske og performative prosjekter.

Les mer om kunstneren..

Installasjonsfoto fra utstillingen
Dwight Yoakam, countrymusiker
Sirkusdirektør Arnardo
Sofie med skolesekk
Arm
Installasjonsfoto fra utstillingen
2 Dwight Yoakam, countrymusiker
syntetisk gips
3 Sirkusdirektør Arnardo
syntetisk gips
12 Sofie med skolesekk
gips,tekstil, acryl
46 Arm
gips
Geir
Hestestudie I
Sverre
Fritt etter Vigeland
Jannicke
27 Geir
gips
15 Hestestudie I
syntetisk gips
8 Sverre
gips
6 Fritt etter Vigeland
syntetisk gips, syntetisk hår
10 Jannicke
gips
På Sydpolen
Installasjonsfoto
Installasjonsfoto
Installasjonsfoto
Installasjonsfoto
4 På Sydpolen
syntetisk gips
Installasjonsfoto
gips
Installasjonsfoto
Installasjonsfoto
Installasjonsfoto
Installasjonsfoto
Installasjonsfoto
Anne Britt
Hjallis
Installasjonsfoto
Installasjonsfoto
35 Anne Britt
gips
11 Hjallis
gips, messing, 9x11 cm

Pottery is Back! Kuratert av Gjertrud Steinsvåg

Kurator Gjertrud Steinsvåg

Deltakere: Elisa Helland-Hansen, Gry Ringset, Heidi Bjørgan, Andreas Schneider, Marit Tingleff, Sigrid Espelien, Bjørn Erik Haugen, Eunju Kang, Torunn Måseidvåg, Hanna Björkdahl, Ida O. Barland og Lissette Escobar, Ella-Marie Berglund, Elna Hagemann, Helle Høeg Voldstad, Hedvig Malmbekk Winge, Kjell Rylander, Anette Krogstad, Bodil Mogstad Skipnes, Guri Sandvik, Magni Jensen, Tora Haabet, Victoria Günzler, Ahmad Umar, Nina Malterud, Anne Udnes, Sara Skotte og Anne Line Sund

Kunstnerforbundet gleder seg til utstillingen ”Pottery is back!” som åpner torsdag 14. januar kl. 18. Kurator for utstillingen er Gjertrud Steinsvåg. Hun har markert seg som en toneangivende skribent og kurator de siste årene. Steinsvåg har sin utdannelsesbakgrunn fra Kunsthøgskolen i Oslo (Kunstfag) og Kunst- og Designhøgskolen i Bergen (Skapende kuratorpraksis). Hun har vært leder for internasjonale prosjekter i Norwegian Crafts og har nylig tiltrådt som programansvarlig ved Kunst og Håndverk på Kunsthøgskolen i Oslo. Steinsvåg er valgt som kurator for årets ”Tendenser” på F15. ”Pottery is back!” er basert på en utlysning om å sende inn forslag til samtidspotter og en juryering av innsendte arbeider. Over 100 søknader kom inn og fra dette materialet er 28 kunstnere utvalgt til å vise sine verk på utstillingen. Utstillingen favner ulike innfallsvinkler til samtidspotter, materialer, bruksting og historien. Utlysningen og utstillingens tittel ”Pottery is back!” inviterer til diskusjon og til å gjøre opp status i et produktivt felt. Bruksverdien har vært et av de store diskusjonstemaene det siste året og ”Pottery is back!” utfordrer denne diskusjonen gjennom utlysning og utstilling. Utstillingen og valget av Steinsvåg som kurator, er ledd i Kunstnerforbundets satsning på presentasjon av norsk kunsthåndverk. Helt fra starten av har «Anvendt kunst» vært en viktig del av Kunstnerforbundets kunstneriske profil. Arnstein Arneberg (1882–1961) var en viktig pådriver i den forbindelse, samt keramikeren Andreas Schneider (1861–1931) som satt i Kunstnerforbundets styre fra 1910. Første utstilling av kunsthåndverk i Kunstnerforbundet var nettopp Schneiders utstilling av keramikk i mars 1911. Schneider var også aktiv i Foreningen for anvendt kunst som holdt utstillinger i Kunstnerforbundet. I februar 1959 fikk brukskunsten egne lokaler i andre etasje i Kunstnerforbundet. Første utstilling var viet Ragnhild Hvalstads keramikk. Bordene som ble brukt til visning av keramikk den gang tas frem igjen som rammeverk for visning av vår tids
keramikk.
Til utstillingen følger en tekst skrevet av kurator Gjertrud Steinsvåg:

POTTERY IS BACK!
Gjertrud Steinsvåg

Kunsthandverket har gjennom dei siste åra levd med ei fornya interesse. Særleg har dette blitt diskutert på tekstilfeltet over ei lengre periode. Ein ser dessutan aukande interesse for leire og keramikk. Omgrep som brukskunst er tilbake i både kunst- og interiørblad utan den same negative ladinga som har regjert sida 70-talet. Då Kunstnerforbundet og kurator Gjertrud Steinsvåg hausten 2015 lyste ut utstillingsplassar til Pottery is Back!, så var det med utgangpunkt i desse observasjonane.

Ein ganske eintydig påstand om at pottery is back, tiltrakk seg 103 søknadar med eit bredt spekter av kunstnariske praksisar. Fleire påstår at pottery never left, og prosjekta er på ingen måte konkrete svar på at pottermakeriet har vore borte og er no tilbake. Kunstnarane assosierer til brukskunst, kunstkeramikken, leira, skulpturen, objektet, og jobbar ut frå ulike estetiske, funksjonelle, politiske, og samfunnsmessige utgangspunkt. 28 kunstnarar er med i utstillinga, og saman viser dei det mangfaldet av reaksjonar på utlysinga.

Kunstnerforbundet har ein over hundre år gamal tradisjon som visningsstad for kunsthandverk/brukskunst/anvendt kunst/material- og mediumbasert kunst – kva enn vi vel å kalle det til ulike tider. Ein viktig pådrivar var keramikaren Andreas Schneider, som satt i Kunstnerforbundet sitt styre frå 1910. Fyrste utstilling av kunsthandverk viste nettopp Schneider sine keramikkarbeid i mars 1911. Det er difor naturleg å ta med Andreas Schneider i utstillinga Pottery is Back! Vi har med eit oljemåleri frå 1900 som er i Kunstnerforbundet si eige, og ein Schneidervase, nyleg kjøpt av ein privatperson på Blomqvist auksjonar.

Marit Tingleff (1954) vil nok ikkje utan vidare seie seg einig i påstanden, for ho har alltid sett til kunsthandverkarane som var med å løfte keramikken inn i kunstscena. Tingleff viser i utstillinga eit arbeid frå 2005 som både reflekterer over førebileta i det ho kallar kunstkeramikken, og ikkje minst minner om hennar eigne standhaftige praksis. Av brukskeramikken kjem ein ikkje utanom Magni Jensen (1953) sine tallerknar og Elisa Helland Hansen (1950), som i følgje seg sjølv har vore sta som eit beist, og tru til bruksgjenstandar, og stiller ut kimchikrukker. Både ho og Nina Malterud (1951) – som Tingleff – stiller kritiske spørsmål til påstanden om at pottery is back. For dei begge har brukskunsten aldri vore borte, og Malterud poengterer korleis brotet med brukskunsten sin ideologi og møtet med industriprodukt laga i lågkostnadsland var ein føresetnad for eit oppegåande kunsthandverk i dag.

Vasar er også med i utstillinga: Anne Lise Sund (1961) sine små brukbare vasar og Gry Ringset (1961) sine skjøre symbol. Om ein ser på den meir designorienterte keramikken, har Sara Skotte (1978) heilt sidan ho var ferdig utdanna i 2005 vist sine arbeider i interiørmagasin og -messer, og viser sin nye serie av potter. Guri Sandvik (1957) er biletkunstnaren som i få år har laga vasar og bruksting, og i dette segmentet finn vi også keramikarane Anne Udnes (1958) og Bodil Skipnes (1949). Sistnemnde har laga ein ny eksklusiv serie av koppar basert på nespressomål, og svarar konkret på forbruksbehovet som kanskje Malterud er inne på.

Torunn Måseidvåg (1969) sine daterte skillingsskåler og Tora Haabet (1965) sine vedbrende arbeid er med. Sigrid Espelien (1984) har laga ein ny gamlebyenbolle, av leire frå gamlebyen og i form av bydelsgrensa sett ovanfrå. Heidi Bjørgan (1970) sin nye objektserie er tydeleg inspirert av George Ohr, medan Kjell Rylander (1964) har laga eit nytt A4 arbeid for utstillinga. Blant den relativt nyutdanna generasjonen finn vi Helle Høeg Voldstad (1989) sin leik med urner, Hedvig Malmbekk Winge (1968) sine papir- og keramikkobjekt, Victoria Günzler (1986) sine tekanner og Anette Krogstad (1984) sine boller. Eunju Kang tek konkret utgangspunkt i keramikaren sin arbeidssituasjon i sine porselensbilete.

Bjørn Erik Haugen (1978) er biletkunstnaren som alltid har ynskje å lage ein mug. Haugen går også inn i keramikaren sin posisjon og siterer Platon om pottemakaren på sin masseproduserte kaffikrus. Elna Hagemann (1976) har dei siste ti åra jobba med video og fotografi, og fotoa i Pottery is Back! representerer hennar eigen retur til bakgrunnen som pottemakar på Vidaråsen, kor det abstrakte materielle innhaldet no i større grad trer fram i bileta.

Så korleis ser framtida ut? Kanskje er studentane i utstillinga med på å forme det: Hanna Björkdahl (1985), Lissette Escobar (1982) og Ida Olesdatter Barland (1989) driver prosjektet keramisk Take Away, og ber publikum sjølve sette pris på dei handlaga koppane, Ella- Marie Berglund (1992) viser tekanner og Ahmad Umar (1988) lagar islamske ”purification sets” slik han hugsar dei frå Sudan.

Det er ikkje tvil om at leiken og refleksjonen rundt kva pottery er uttrykk for i aller høgaste grad forskast på. Pottery is Back! som prosjekt er basert på observasjonen om at kunsthandverket sine verdiar og kvalitetar er høgaktuelle. Vi har søkt etter responsar og fått 26 ulike svar. Viktigare enn å problematisere pottemakeriet og keramikken, peikar kunstnarane i utstillinga på gjeldande verdiar i eit samfunnsperspektiv.

Installasjonsfoto fra utstillingen
Oversiktsbilde fra utstillingen
Installasjonsfoto fra utstillingen
Object 11
Ceramic vocabulary book pages 3, 5, 7, 18, 21, 23, 25

Installasjonsfoto fra utstillingen

Oversiktsbilde fra utstillingen

Installasjonsfoto fra utstillingen
Heidi Bjørgan
18 Object 11
dreiet, høytbrent celadon, høyde 16 cm
Eunju Kang
6-8 Ceramic vocabulary book pages 3, 5, 7, 18, 21, 23, 25
hand cut print, 21x28x1 cm
Installasjonsfoto. Eunju Kang og Helle Høeg Voldstad

Installasjonsfoto. Eunju Kang og Helle Høeg Voldstad