Utstilling 16. august - 16. september 2018

Munan Øvrelid Overlyssalen

World, Objects and Drama
Overlyssalen
16.08.-16.09.2018

I ei Arthur C. Clarke forteljing oppdagar dei liv på Venus i form av planter som ser ut som steinar, og då seier hovudpersonen: «Finally, proof that mankind is not alone in the universe.»

Øvrelid jobbar med detaljerte og nitidige studiar av matrestar, skuggar, skal, skjell skada av havforsuring og frodig liv. Samtidig finst der symbol og allegoriar i maleria hans. Appelsiner liknar på sola som gjer dei kraft til å bli søte og saftige frukter, men i Øvrelid sine maleri er der berre appelsin-skrell igjen. På eit persisk teppe med mønster av livets tre sit ein sommarfugl i ein skugge av ein person framfor eit vindauge. Ein blomsterbukett står framfor ein heftig abstraksjon av ein annan blomsterbukett frå ei anna tid og i ein anna stil av Willem de Kooning. Over restar etter eit festmåltid skimtar vi eit skuggespel av figurar frå eit Bruegel-maleri, Kampen mellom karneval og faste.

Mens vi ser mot veggane, plantene og maleria i maleria er det som om vi ikkje er åleine. Der er skuggar av personar, andre tider og frodige rom. Noko er tilstades utan å vera i bileta. Ein kan også få ei kjensle av å bli sett. Auger ser tilbake gjennom venger og fjør og treverk.

Bileta kan minna oss på at vi skal døy, som maleri i stilleben-tradisjonen skal. Dei kan og visa oss at vi ikkje er åleine her på jorda. Vi skal døy ein dag og leva alle andre, i lag med andre vesen og anna liv. Når vi ser skaper vi noko i lag med verda, og kva vi ser er ikkje nødvendigvis gitt på førehånd. Refleksjonar kjem til oss og vi set dei saman til bilete av verda. Ein kan tenkja at verda tenkjer seg sjølv i oss og vi er bevisstheten til verda.

Munan Øvrelid (f. 1978) bor og jobber i Oslo. Han har en mastergrad fra Kunstakademiet i Trondheim (2006) og jobber i hovedsak med figurativt maleri. Øvrelid har hatt separatutstillinger på visningssteder som Trøndelag senter for samtidskunst (2015), No Place (2015), Tegnerforbundet (2014), Skånes kunstforening (2012) og UKS (2011). Han har i tillegg deltatt på en rekke gruppeutstillinger i inn- og utland, blant annet på Island Oslo (2018), Kunstraum Bethanien, Berlin (2015) Kunstnernes Hus (2014) Galeria Luisa Strina, Sao Paolo (2014), Kunstverein Springhornhof, Neuenkirchen (2013), Malmø Kunsthall (2013).

Utstillingen er støttet av Billedkunstnernes Vederlagsfond og Norsk Kulturåd

Les mer om kunstneren..

Oversiktsbilde fra utstillingen
Growing old with flowers
Alkymistens grådige finger
Ugle på teppe
Kampen mellom karneval og faste
Oversiktsbilde fra utstillingen
2 Growing old with flowers
Olje på lerret, 150 x 130cm
4 Alkymistens grådige finger
Akryl og bladgull på lerret, 20 x 20 cm
Kr. 9
5 Ugle på teppe
Akryl og olje på lerret, 200 x 165 cm
7 Kampen mellom karneval og faste
Akryl og olje på lerret , 150 x 130 cm
You shall fast but you shall eat, you shall eat the food from above 1
You shall fast but you shall eat, you shall eat the food from above 2
Lutre deg synder jeg ser deg
Monocular vision
8 You shall fast but you shall eat, you shall eat the food from above 1
Akryl på lerret , 20 x 20 cm
9 You shall fast but you shall eat, you shall eat the food from above 2
Akryl på lerret , 20 x 20 cm
11 Lutre deg synder jeg ser deg
Akryl på lerret, 130 x 100 cm
10 Monocular vision
Akryl og olje på lerret , 58 x 48 cm

Christina Leithe H. Vindussalen og kabinett

Field of Vision
Vindussalen og kabinettet
16.08.-16.09.2018

I vindussalen viser Leithe serien Field of Vision, som viser et utvalg landskapsfotografier fra fjelltopper i Norge, nærmere bestemt fra Gaustatoppen i Telemark og fra Romsdalen. Utsiktene er klassiske, og ved å benytte seg av analogt storformat kamera fremkalles detaljrike bilder som bringer frem en nostalgisk følelse. I motivene legger Leithe vekt på naturens emosjonelle uttrykk, og understreker kunstens tradisjonelle evne som vekker av empatiske følelser hos betrakter.

I kabinettet viser Leithe deler av arkivet Projections bestående av et hundretalls analoge sort/hvite fotografier fotografert av kunstneren selv. På Kunstnerforbundet presenteres et utvalg på 52 motiver i små formater.

Christina Leithe H. arbeider med fotografi og video, og benytter seg ofte av en dokumentarisk tradisjon som utgangspunkt for å skape fiktive narrativ. Leithe har tidligere arbeidet med fotografiske samlinger som tar utgangspunkt i begreper som oppsummerer en større sammenheng av emosjon, tradisjon og kultur. I utstillingen på Kunstnerforbundet har hun undersøkt begrepet empati og sett nærmere på ordets ulike tolkninger og definisjoner. Definisjonen av empati knyttes ofte til evnen til å sette seg inn i andres følelsesliv, men tidligere var også termen forbundet til en måte å forholde seg til objekter på. Det engelske ordet empathy har vært i bruk i litt over 100 år – oversatt fra det tyske ordet einfühlung i 1909, av den tyske filosofen og psykologen Theodor Lipps. Å forholde seg til et objekt, ofte et kunstverk, med empati, betydde, for Lipps, å være følelsesmessig oppslukt i objektet i en slik grad at man opplevde at det uttrykte ens egen personlighet, i motsetning til å forholde seg til det på en analyserende eller distansert måte.

Christina Leithe H. (f. 1978) bor og arbeider i Søgne og i Oslo. Hun har mastergrad fra Malmø Kunstakademi i Sverige fra 2006. Siden har hun hatt en rekke utstillinger bade i Norge og internasjonalt. Hun har blant annet hatt soloutstillinger ved visningssteder som Agder Kunstsenter (2018) kommer, BOA (2018), Breadfield, Malmø (2016), Heimdal Kunstforening (2015), Akershus Kunstsenter (2014) og Galleri Maria Veie (2012, 2009). Hun har deltatt i gruppeutstillinger ved institusjoner som Shoot Gallery (2017), Sandefjord Kunstforening (2015), The Folio Club, Barcelona (2015), Tromsø Kunstforening (2015), Kunsthal Charlottenborg, København (2013) og Kunstnerforbundet (2008) for å nevne noen.
I 2012 mottok hun Nordic Dummy Award for fotoboken Notes. I tillegg til sin egen praksis er Leithe H. med-redaktør av kunstpublikasjonen Spesial Nord.

Utstillingen er støttet av Statens utstillingsstipend, Norsk Kulturfond, Fond for Lyd og Bilde, Billedkunstnernes Vederlagsfond.

Les mer om kunstneren..

Oversiktsbilde fra utstillingen
Installasjonsfoto fra utstillingen
Installasjonsfoto fra utstillingen
Installasjonsfoto fra utstillingen
Projections (Derrick)
Oversiktsbilde fra utstillingen
Installasjonsfoto fra utstillingen
Installasjonsfoto fra utstillingen
Installasjonsfoto fra utstillingen
126 Projections (Derrick)
Digital print, aluminium, 27 x 27 cm
Projections (Madam Chouigui)
Projections (Assistens Cemetary in Copenhagen)
538 Projections (Madam Chouigui)
Digital print, aluminium, 27 x 27 cm
150 Projections (Assistens Cemetary in Copenhagen)
Digital print, aluminium, 27 x 27 cm

Erlend Grytbakk Wold 2. etasje

Until the Light Takes Us
Salene i 2. etasje
16.08.-16.09.2018

Utstillingen består av en serie på fem malerier utført i akvarell på upreparert linlerret, og en skulptur i metall, flettverk og akvarell og et lappeteppe i skinn. Erlend Grytbakk Wolds malerier fremkalles sakte gjennom en møysommelig prosess hvor kunstneren maler vekselvis med akvarellfarger i primærfargene rødt, gult og blått på upreparert lerret. Akvarellfargen er et tradisjonelt kunstmedium, men dens gjennomskinnelighet gir liten grad av påståelighet. Fargen skjuler ikke det den er malt på, og en mottagelig flate som det upreparerte linlerretet sluker i seg fargen og gir ingen mulighet for korreksjon. Ved å spraymale fargen distanserer han dessuten hånden fra den maleriske handlingen og gjennom repetitive lag med modernismens grunnfarger bygges en fargeflate som på et konseptuelt plan kan inneholde alle farger. Grytbakk Wold maler mørket, slik at lyset kan tre fram: de lyse partiene i bildene finner man der hvor lerretet har fått minst maling påført, hvor lerretets iboende lys skinner gjennom.

Serien Until the Light Takes Us (2018) består av en varsom grunnflate med antydninger til en gridstruktur, og som stedvis bryter ut i rene fargetoner. Flatene er brutt av et til flere mørke vertikale felt eller linjer som ulmer i forgrunnen av bildet. Bildene står med et bein i det oppløste og ett i det som trer fram, uten å gi svar på hvilken retning det går i.

Skulpturen Centerpiece (For Brighter Tomorrows) (2018) består av bøyde metallrør, og et intrikat flettverk i lysende neongul bånd som gir skulpturen kropp, og gjør at den lyser mot deg som et vræl av samtidighet. I flettverket henger det fargesterke akvareller med abstrakte motiv, som gir assosiasjoner til postkort eller merkelapper. På gulvet ligger verket Centerpiece (Rug) (2018) et lappeteppe i skinn.

Grytbakk Wolds arbeider handler om en skepsis til de fortellingene man har blitt fortalt, og det den fortellingen representerer. Han søker mot en åpen og fri kunst, uten kunsthistorie som fotlenke, men heller som den overflodshornet det skal være, i et ønske om å komme seg forbi det gitte eller antatte sannheter, og fjerne seg fra forutinntatte holdninger.

Erlend Grytbakk Wold (f. 1986, Trondheim), bor og arbeider i Oslo. Han er utdannet fra Kunstakademiet i Oslo og Konsthögskolan i Malmö. Han har tidligere vist separatutstillingene Till the Last Light Fades ved Trøndelag Senter for Samtidskunst, Trondheim (2017), Remain in Light LNM, Oslo (2016), og Secondhand Daylight ved BLOKK, Bergen (2015). Utvalgte gruppeutstillinger inkluderer Mellom Linjene (2017) ved Oslo Kunsthandel, Gruppeutstilling Jóhan Martin Christiansen, Jesper Veileby, Erlend Grytbakk Wold, Galleri Arnstedt, Båstad (2015) og Høstutstillingen, Oslo (2013). Grytbakk Wold mottok i 2014 Edstrandskas Stipendium, og i 2017 hadde han et kunstneropphold ved Cité Internationale des Arts Paris. Mellom 2010-12 var Grytbakk Wold med å drive det kunstnerdrevne visningsstedet One Night Only Gallery.

Utstillingen er støttet av Norsk Kulturråd og Billedkunstnernes Vederlagsfond.

Les mer om kunstneren..

Oversiktsbilde fra utstillingen
Until the Light Takes Us I
Installasjonsfoto fra utstillingen
Oversiktsbilde fra utstillingen
1 Until the Light Takes Us I
Akvarell på upreparert linlerret , 170 x 150 cm
Installasjonsfoto fra utstillingen